Corporate Collection – Trends im Kunstmarkt

Kunst für Firmen

Corporate Collection – ein wichtiger Trend in der Unternehmenskultur

 

Kunst für Firmen         Kunst für Firmen
Welche Aufgaben meistern Sie als Kunstexpertin?  

Die Aufgaben sind extrem abwechslungsreich – das macht mein Berufsleben so sehr spannend. Ich liebe es, mit ganz unterschiedlichen Menschen zusammenzukommen und mit Ihnen über Ihr Leben und Ihre Arbeit zu sprechen. Da war ein Auftrag der Bundesrepublik Deutschland, die ja einen enorm großen Sammlungsbestand hat. Vermittelt wurde er über das Hochbauamt München. Es ging um die von Altkanzler Helmut Schmidt initiierte Kunstsammlung der Bundeswehrhochschulen. Neben der Kunst gefiel mir das Insight in die Arbeitswelt dieser Hochschule, das war sehr inspirierend. Für den Sammler Service des Sammler Journal schreibe ich Gutachten zu Kunstwerken, über die die Eigentümer selbst wenig wissen. Es ist erstaunlich was bei den Recherchen alles zutage tritt, ein richtiges Erlebnis mit viel Storytelling. Mit dem Team von Vernissage.tv besuche ich oft Kunstevents und wir gehen den aktuellen Trends nach und berichten in Filmen darüber. Oftmals waren wir auch in großen privaten Sammlungen. Es ist erstaunlich in welchen entfernten Ecken auf der großen weiten Welt sich Kunstsammlungen befinden, von Miami bis Istanbul, von Singapur bis Moskau. Kunst ist eine internationale, emotionale Sprache, jeder kann sie verstehen und lieben. Für die Axel Springer AG und den Zeitkunstverlag habe ich ähnliche Berichterstattungen übernommen und kam eigentlich immer wieder in stimulierendes Neuland.

Was ist genau die Intention einer Corporate Collection?

Die Corporate Collection ist ein so sehr faszinierendes Thema für mich, weil jede von Ihnen auf ein Unternehmen zugeschnitten ist. Im Mittelpunkt stehen dabei die Kommunikation nach innen und außen, die Identifikation des Teams mit dem Unternehmen und das Outreach-Potential. Die Kunst stellt sich damit in den Dienst der Menschen, die sich im Unternehmen wohl fühlen sollen. Das ist ein großer Mehrwert für ein Unternehmen, gerade heute, wo sich die Gewichtung im Berufsleben total verschiebt: Für Arbeitnehmer steht nicht mehr die Karriere im Vordergrund, sondern der Sinn der Arbeit und ein ausgefülltes Leben.

Wie sollte man eine solche (Firmen-)Sammlung aufbauen? Was gilt es zu beachten?

Da die Sammlung Unternehmen und Team beflügeln und inspirieren soll, ist eine genaue Beschäftigung mit dem Unternehmen und seiner Organisation die Basis für den gelungenen Aufbau einer Corporate Collection. Nicht der potentielle Zuwachs an merkantilen Wert eines Kunstwerks soll beim Ankauf ausschlaggebend sein, sondern der Bezug zur Firma, ihren Produkten und den Menschen, die sie dort herstellen. Der architektonische Rahmen, die Nutzung der Flächen, die Social Islands, Küchen und Pantrys, die Conference Spaces und die Verkehrsflächen verlangen jeweils nach einer besonderen Lösung, einem besonderen Layout innerhalb des Unternehmens. Gut wäre, wenn man als Auftakt einen Workshop halten könnte, um Details über die Arbeitsabläufe, die Organisation und Gewohnheiten zu erfahren.

Was für einen Mehrwert bietet eine profilierte und professionell aufgebaute Firmensammlung?

Ich denke, sie schafft für jedes Wirtschaftsunternehmen ein Mehr an Unternehmenskultur, die immer wichtiger wird in der aktuellen Arbeitswelt und in Zukunft eine enorme Rolle spielen wird. Unternehmenskultur wird auch über den Erfolg einer Firma entscheiden.

Eine Corporate Collection ist kein statisches Gebilde wie ja auch ein Unternehmen agil und flexibel und im Wandel begriffen ist. Wenn sich Schwerpunkte im Unternehmen ändern, durch das Business Development andere Geschäftsbereiche entwickelt werden, dann ändert oder erweitert sich das Profil eines Unternehmens. Die Corporate Collection sollte das widerspiegeln und es sollte auf die Entwicklungen im Unternehmen reagiert werden, denn sonst gibt es ein ‚Gap‘ in der Identifikation der Mitarbeiter und Teams mit der Sammlung, die ja Teil des Unternehmens ist. Wichtig ist also das Aktualisieren der Sammlung und der Bezug zu den Entwicklungen in der Struktur. Natürlich sollte die Sammlung inventarisiert sein, regelmäßig sollte ihr Wert neu taxiert werden, sie sollte professionell gelagert sein. Gut finde ich für den Outreach-Effekt auch, wenn Sammlungsstücke ‚auf Reisen‘ gehen und in anderen Ausstellungen als Leihgaben gezeigt werden. Das verleiht der Corporate Collection öffentliche Aufmerksamkeit, steigert das Ansehen des Unternehmens und schafft mehr Identifikation der Arbeitnehmer mit diesem.

Passt eine Kunstsammlung gut zu den Konzepten des New Work? Unterstützt eine Firmensammlung agiles Arbeiten?

In den vergangenen Jahren habe ich mich immer wieder mit dem Thema New Work und den vielen Arten des agilen Arbeitens beschäftigt. Die Architektur für diese Arbeitswelten ist eine besondere, die eine flexible Nutzung für sehr kreative Köpfe ermöglicht. In Zukunft wird in unserer Arbeitswelt die Kreativität im Fokus stehen, sie wird das wertvollste Gut auf dem Arbeitsmarkt sein. Bei fortschrittlichen Unternehmen ist das schon jetzt der Fall. Kunst spricht vor allem kreative Menschen, die Neuartiges und Zukunftsträchtiges entwickeln, an. Sie ist ein optimaler Nährboden für ihre Arbeit, geschaffen von anderen Kreativen. Dieses Zusammentreffen garantiert meines Erachtens ein sehr gutes Umfeld für agiles Arbeiten.

Fotos: Dr. Bettina Kroggemann, detokunstchannel

Weitere Informationen zu Dr. Bettina Krogemann

Life Meets Art

Life Meets Art

Life Meets Art

Life Meets Art ist eine Tour hinter die Kulissen der faszinierendsten Innenräumen der Welt. Lebensräume der weltweit talentiertesten Menschen in den Bereichen Kunst, Design, Mode, Literatur, Musik und Film bietet Inspiration für kreative Innenarchitektur und den endlosen Möglichkeiten der Wohngestaltung. Es ist ein faszinierender Einblick in die Häuser der kreativsten Köpfe der Geschichte. SamLubell zeigt in seinem Bildband Charlie Chaplins palastähnliches Zuhause am schönen Schweitzer See in der Stadt von Vevey. Das  einfache Landhaus, in dem der Autor Hermann Melville sein Werk Moby Dick schrieb. Der Leser kann in den Wohnsitz von Gianni Versace in Miami Beach eintreten oder das Londoner Penthouse von Alexander McQueens bewundern. Eine inspirierende Kollektion extravaganter und privater Wohnräumen von 250 kreative Persönlichkeiten aus der Vergangenheit bis zur Gegenwart. Kaufen Sie online Kunst von anerkannten und aufstrebenden Künstlern. Entdecken Sie originale Gemälde und Fotografien internationaler Künstler.

We love it!

Fotos: Phaidon Verlag Fotos: Phaidon Verlag

Weitere Informationen

https://www.phaidon.com/store/design/life-meets-art-9781838661311/

Kunst auf Litfaßsäulen

Laura Piantoni Kuratorin

Besondere Zeiten brauchen ein besonderes Konzept

Was liegt demnach näher als die Kunst auf die Straße zu holen? Dorthin, wo sie den Menschen uneingeschränkt zugänglich ist?

MUNICH POP ART fand 2020 im fünften Jahr als OPEN AIR AUSSTELLUNG statt und ist eine jährliche stattfindende Ausstellungsreihe Münchner Künstler*innen aus dem Urban Art Umfeld.

Die hier gezeigten Arbeiten entstammen thematisch und technisch der Tradition der Pop Art: Collagen, Stencils, Graffiti, Scherenschnitte und handgedruckte Serigrafien laden ein, Populärkultur neu zu entdecken.

Die geniale Künstlerin und Kuratorin des Projektes Laura Piantoni arbeitet vor allem in den Bereichen Fotografie und Siebdruck. Sie hat an der Münchner Kunstakademie und an der Hochschule für Gestaltung und Kunst Zürich studiert. Ihr Fotobuch SOCIAL NETWORK PHOTOGRAPHY, eine der ersten Publikationen in diesem Bereich.

7 Künstler*innen gestalten 7 Litfaßsäulen

Johannes Brechter – Installationen & Wandbilder, Edlinger did it – Pasteup & Collage, Fader one – Graffiti,
Wandbilder & Illustration, Josephine Kaiser – Skulpturen & Scherenschnitte, Steve Glas – Graffiti, Urban Art
& Illustration, Laura Piantoni – Siebdruck, Matt Wiegele – Siebdruck & Objekte

Munich Pop Art Open Air Ausstellung Laura Piantoni Kuratorin Kunst auf Litfasssäulen MunichPopArt

Auf diese Weise brachte die MUNICH POP ART 2020 Farbe und Pop in den öffentlichen Raum und erinnert dabei an die kulturelle Bedeutung von Litfaßsäulen. Hier schließt sich ein Kreis zum Ursprung der POP ART, dem Werbeplakat. Alle Kunstbegeisterten waren eingeladen, die MUNICH POP ART 2020 auf einem Spaziergang durch Schwabing und die Maxvorstadt zu entdecken. Mit Hilfe eines QR-Codes konnten die Betrachter alles über die einzelnen Künstler*innen und ihre Arbeiten erfahren. Für alle Kunstsammler gilt. Moderne Kunst online kaufen bei detokunstchannel.de

Fotos von Munich Pop Art,  Achim Schmidt, Bettina Koller

Künstler Giuseppe Fiore

Giuseppe Fiore Neon Sequences 2

Der in Neapel geborene Künstler schafft mit seinen Werken eine dritte Dimension, in der das Bild den Raum in Besitz nimmt. Schon früh wird das Talent des Künstlers sichtbar, angefangen bei seinen Abschlüssen mit bestbewerteten Ergebnissen der High School und der Fine Arts Academy in Neapel. Durch sein Talent und seine großen Erfahrungen gelingt es ihm schnell, eigenständiger Künstler zu werden.

Der Künstler sieht seine einzelnen Bilder als ein endloses Werk. Die Formen seiner Kunst verschmelzen mit dem Raum und lassen den Betrachter in eine neue Dimension der Betrachtungsweise eintauchen. Die Oberfläche seiner Ölbilder stellen freie Geometrien dar und erwecken den Anschein von zerknülltem Aluminium oder explodierenden anspruchsvollen Fragmenten. Seine Werke sind sehr zeitaufwendig, fordern höchste Konzertration, denn seine Pinselstriche sind kaum sichtbar. Giuseppes Kunst spielt mit dem Auge des Betrachters, durch die ausdrucksstarke Struktur der Werke. Die Farbgebung in Kombination mit dem Motiv löst eine geheimnisvolle Ruhe mit Spannungsmomenten im Betrachter aus. Es spricht auch die auditive Wahrnehmung an, es ist als würde man das Knittern des Aluminiums hören.

Wir freuen uns den Ausnahme Künstler bei detoKUNST Channel vertreten zu können.

Weitere Informationen

Fotos: detoKUNST Channel

ART MEETS CARS

Detokunstchannel.de Denise Med lud gemeinsam mit dem Künstler Reiner Heidorn und Ruf Automobile zur Artshow ein.

Zwei internationale Macher stellten ihre Werke vor, die Manufaktur RUF für Sportwagen und der zeitgenössische Künstler Reiner Heidorn luden am 27.06.2020 zur Art Show in Weilheim ein. Gezeigt wurden Kunstwerke in Kombination mit den neuesten Fahrzeugen: RUF SCR und der CTR Anniversary.Die Kunst des Automobilbaus ist für die Mechaniker der Firma Ruf aus Pfaffenhausen/Allgäu so selbstverständlich wie der Pinselstrich für den Künstler Reiner Heidorn.Beide regionale Macher aus dem Süden Deutschlands sind international bekannt. Heidorn’s großformatige Ölmalerei wird in Galerien in Atlanta, Dubai und Paris ausgestellt. Die superlativen Automobile sind auf Events wie Pebble Beach in Kalifornien und Villa d’Este in Italien ganz vorne mit dabei.Kunstbegeisterte und Rennsportbegeisterte trafen sich auf der Vernissage um die einzigartige Art Show zu erleben. Alle Hygieneschutzmaßnahmen wurden strengstens eingehalten.

Weitere Informationen zu Künstler Reiner Heidorn 

Weitere Informationen zu Ruf Automobile 

Fotograf: Hannes Magerstädt/ Gnoni Press

Artikel: Aloisa Ruf

detokunstchannel Ausstellung

Thierry Mugler – Art meets Fashion

Thierry Mugler Ausstellung
Thierry Mugler Ausstellung
Patrice Stable
Outfit: Thierry Mugler, Kollektion Les Insectes, Haute Couture Frühjahr/Sommer 1997
Foto: © Patrice Stable
Thierry Mugler zeigt seine Kunst
Foto: Aloisa Ruf / detoKunstChannel Thierry Mugler bringt seine Kunst nach München

Thierry Mugler bringt seine Kunst nach München

Von Latex und Metall bis Pferdehaar und Swarovski-Kristallen wurde ich bei der einzigartigen Mugler Coutourissime Ausstellung in München verzaubert. Zwei Stunden bin ich in die grenzenlose drag-show-drama Welt eingetaucht, welche eine Kombination aus Extravaganz, Eleganz und Futurismus darstellt. Ein Künstler ist derjenige, der seine Fantasien mit einem Publikum teilt, und Manfred Thierry Mugler ist nicht weniger als jener, furchtloser Exzentriker, der die Grenzen zwischen Kunst und Mode gebrochen hat und nun einer der angesehensten Modedesigner oder besser gesagt, Kostümdesigner der Welt ist. „Ein Hauch von Wahnsinn, aber niemals vulgär“, beschreibt der Modeschöpfer, Balletttänzer und Künstler Thierry Mugler seine Werke, die uns in den 70ern und 80ern einen Einblick in die Zukunft und in seine spielerischen Fantasien verschaffen haben. Nicht nur Stars wie David Bowie und Diana Ross kleideten sich in seiner Haute Couture, sondern auch Künstler wie Helmut Newton und George Michael tauchten in Muglers theatralische Modewelt ein und kreierten ikonische Aufnahmen, Filme und Shows in Einem.

Mo.-So. von 10- 20 Uhr

Weitere Informationen

Fotos: Pressekontakt Kunsthalle München, Aloisa Ruf

Artikel von Aloisa Ruf

Remake von Grant Wood

Grant DeVolson Wood – American Gothic

Gabriele Middelmann und Malerei und ihr Remake von Grant Wood

kunstwerk von Grant Wood      Gabriele Middelmann

„Mein Remake, eine bildhafte Aussage zum Thema Emanzipation auf dem Land durch das Spiel von Haltung und Mimik. Das Bild von Grant Wood hat mich als Land Ei sofort begeistert, denn es waren keine großartigen Verkleidungskünste nötig, um es überzeugend nachzustellen.  Den Mundwinkel der Schwerkraft zu überlassen, folgte Gott sei Dank keine häusliche Gewalt mit Attacke zur Hilfenahme von Mistgabel und Kochlöffel, sondern ein beidseitiger massiver Lachkrampf.“

Die Künstlerin

,,Ich beschäftige mich mit Oberflächen, damit ich in die Tiefe gehen kann.“

Gabriele Middelmanns künstlerische Wesenszüge zeigten sich bereits im Kindesalter. Ihr Wunsch, nach dem Abitur an der Folkwang Universität der Künste in Essen zu studieren, blieb ihr verwehrt. Stattdessen wurde sie an der Kunsthochschule Wuppertal im Bereich Textil-Design angenommen. Allerdings stellte sie schnell fest, dass ihr die Kunst in dieser Sparte und zu dieser Zeit keine finanzielle Unabhängigkeit bieten würde, daher entschied sie sich zunächst für eine Ausbildung zur Zahntechnikerin, wo sie anschließend im Bereich Keramik arbeitete und parallel für einen medizinischen Fachverlag über mehrere Jahre Kunstkalender gestaltete. Zahlreiche weiterführende Studiengänge an der Kunstakademie Reichenhall, von 2000 bis 2002 in der Meisterklasse von Sigi Braun, 2003 bei Prof. Markus Lüpertz und von 2003 bis 2004 bei Peter Tomschizek, führten dazu, dass sie sich später als freischaffende Künstlerin etablierte. Sie lebt und arbeitet im Norden von München und ist als Dozentin an verschiedenen deutschsprachigen Kunstakademien tätig. Sie ist mit Dipl. Ing. Dr. Heinrich Middelmann verheiratet und hat aus dieser Ehe einen Sohn.

Gewinne jetzt ein signierten Bildband der Künstlerin

Mehr Kunst von Gabriele Middelmann

Fotos: Gabriele Middelmann, Wikimedia

Kunst in Zeiten der Pandemie

Thorsten Poersch

Zeit und VERGÄNGLICHKEIT

Der Künstler Thorsten Poersch über seine Arbeit in der Krise Covid 19

Thorsten Poersch
Covid-19 von Thorsten Poersch

Alte verwitterte Mauern erzählen uns von der Vergangenheit, hinterlassen Spuren so der Künstler Thorsten Poersch. Diese zeigen uns mit ihrer Patina den Wandel der Zeit und die Vergänglichkeit der Materie. Die Löcher in den Bildern symbolisieren den natürlichen Prozess von Verwitterung, Verkalkung und Vermoosung. Durch die vielschichtige Bearbeitung der Oberflächen, zeigt sich der Zustand von der Zeit rissig und löchrig gewordene Mauern, mit abgeblättertem Verputz, alten Mustern, die eine archaisch anmutende Schönheit aufweisen. Im Zustand der Pandemie mit  Covid 19, sind wir alle daran erinnert worden, wie wir der Vergänglichkeit, dem Sterben ausgesetzt sind. Was oft verdrängt wird, ist nun in unser aller Munde: Wir alle müssen uns mit dem Thema des globalen Zusammenhaltes und dem damit verbunden Leben und Sterben auseinandersetzen.

Das Bild Covid 19 ist 135×105 cm groß Materialarbeit in Mischtechnik auf Leinwand gemalt. Preis 3700 Euro. Sie können das Kunstwerk von Thorsten Poersch über detoKUNST Channel käuflich erwerben.

Fotokredit: Thorsten Poersch

Gewinnspiel

Gewinnspiel Healing Art Buch

Gewinnspiel Healing Art Buch

Healing Art

detoKUNST Channel verlost ein Bildband im Wert von 49 Euro.

So geht’s: Einfach folgende Frage beantworten: Wie heißt unsere Künstlerin, die Pegasus Skulpturen in 3 Meter Höhe
herstellt? Die Antwort finden Sie auf unserer Webseite. Der Preis kann nicht ausbezahlt werden. Der Rechtsweg ist ausgeschlossen. Einsendeschluss ist der 15. März 2020. Senden Sie uns Ihre Antwort an: info@detokunstchannel.de. Wir wünschen Ihnen viel Glück

 

Healing Art

Wie Kunst im Krankenhaus Heilung fördert

Revolutionäres, heilungsförderndes
Kunstkonzept Interventionen aus der zeitgenössischen Kunstszene. Was „HealingEnvironment“
leisten kann zeigt das Robert-Bosch-Krankenhaus in Stuttgart mit einem
deutschlandweit einzigartigen und zukunftsweisenden Kunstkonzept. Ob schwerkranke
Patienten der Intensivstation, Besucher in öffentlichen Durchgangsfluren oder
Mitarbeiter in sterilen Funktionsbereichen: jeder wird auf seine Weise von den
insgesamt 48 künstlerischen Interventionen stimuliert. Die Beschreibung der
vielfältigen Ansätze und Wirkungsmöglichkeiten der von 1998-2018 im
Robert-Bosch-Krankenhaus realisierten Kunstprojekte wird durch Fachbeiträge aus
den Bereichen Kunst, Design und Unternehmensphilosophie ergänzt. Wir gratulieren
zu der großartigen Umsetzung

244 Seiten, Broschur mit
Schutzumschlag, Deutsch / Englisch 250 Abbildungen, 25 x 28cm. 49Euro

Hrsg.: Isabel Grüner in Kooperation mit dem Robert-Bosch-Krankenhaus

Fotos und Text: Pressestelle avedition

„Link in Bio. Kunst nach den sozialen Medien“

detoKunstchannel

Die Nutzung der sozialen Medien ist Alltag geworden, etablierte und junge Künstler/Innen können und wollen nicht mehr darauf verzichten. Sie sind dort, wo ihr Publikum ist. Früher waren es Webseiten, heute sind es die sozialen Medien, vor allem Instagram.

Nachdem die Protagonisten der Net Art, die Technik-Utopisten der frühen 1990er Jahre, bald erkennen mussten, dass das Netz die klassischen Kunstinstitutionen als Ausstellungsort nicht aushebeln wird, übernahm die nächste Generation von Künstler/Innen, die auf das Internet reagierte. Schnell verbreitete sich das Schlagwort der Post-Internet Art. Den Begriff prägte die Künstlerin und Theoretikerin Marisa Olson: „I’m going to toggle back and forth between video and internet because some of the internet art that I make is on the internet, and some is after the internet.“ Was nach einem Lebensgefühl klingt, wurde zu einer Sammelbezeichnung für Künstler/Innen, die statt Kunst im Browser wieder Kunst für den Ausstellungsraum bieten.

Social Media Art wiederum greift die Utopie der Net Art auf, die Kunstwelt demokratisieren zu können. Über Instagram, Facebook, YouTube, Tumblr und Twitter kann das Publikum direkt erreicht werden. Junge Künstler/Innen reagieren auf die sozialen Medien und ihre Inhalte, auf neue Features und Technologien.

Die Schau „Link in Bio. Kunst nach den sozialen Medien“ im Museum der bildenden Künste Leipzig kuratiert von Anika Meier präsentiert 50 Arbeiten, wie sich Produktion und Rezeption von Kunst im Zeitalter sozialer Medien verändern. In der Ausstellung werden Installationen, Fotografien, Skulpturen, Videos und Gemälde gezeigt. Die Schau gilt als Folgeausstellung von „Virtual Normality. NetzkünstlerInnen 2.0“ (2018).

Beteiligte Künstler/Innen: Thomas Albdorf, Jeremy Bailey, Viktoria Binschtok, Aram Bartholl, Arvida Byström, Nadja Buttendorf, Petra Cortright, Filip Custic, Constant Dullaart, Hannah Sophie Dunkelberg, Anna Ehrenstein, Oli Epp, Tom Galle, Adam Harvey, Lauren Huret, Andy Kassier, Lynn Hershman Leeson, Olia Lialina, Brandon Lipchik, Jonas Lund, Jillian Mayer, Florian Meisenberg, Marisa Olson, Andy Picci, Sebastian Schmieg, Leah Schrager, Kristina Schuldt, Thomas Webb, Steffen Zillig uvm.

Eröffnung am 16.12.2019, 18 Uhr

Museum der bildenden Künste Leipzig

Katharinenstraße 10

04109 Leipzig